UNIDAD IV: LA POESIA TRABAJO FINAL

PRESENTACIONES DE LOS AUTORES MAN RAY

(VANGUARDISMO-SURREALISMO) Y EUGÈNE DELACROIX (ROMANTICISMO)

TEMA: VANGUARDISMO Y ROMANTICISMO

Surrealismo: El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Bretón, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

MAN RAY: Empieza a pintar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg. En 1914 se casa con Adon Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino. En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).Dos años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.

Romanticismo: El romanticismo es una revolución artística, política, social e ideológica tan importante que todavía hoy viven muchos de sus principios: libertad, individualismo, democracia, nacionalismo, etc.

Entre 1770 y 1800 "Europa se acostó absolutista y neoclásica y se levantó demócrata y romántica". Gracias a la revolución industrial inglesa (1760-1840), que desarrolla una clase burguesa y sienta las bases del liberalismo; gracias a la revolución francesa (1789), que proclama los principios de libertad, igualdad y fraternidad; gracias igualmente a la revolución americana con su Declaración de Independencia (1776), que hace de los derechos del hombre su centro y establece la república como forma de gobierno y al pueblo como fuente exclusiva del poder; gracias a todos estos hechos la Libertad reemplaza a la tiranía, el poder absoluto se ve limitado y la democracia se erige en ideal de gobierno.

EUGÈNE DELACROIX: En 1815 siguiendo la recomendación de su tío, el pintor Henri-Francois Riesener entra en el taller del pintor neoclásico Pierre Narcisse Guérin, donde Théodore Géricault y el Barón Gros fueron sus maestros. Visitaba frecuentemente el Louvre, estudiando y copiando a los grandes pintores que admiraba: Rubens, Velázquez, Rembrandt, Paolo Veronese, y se debatió entre la tradición y el clasicismo y el deseo de hallar, tras las apariencias, la realidad. El pintor paisajista Bonington le enseñó a pintar la naturaleza. Raymond Soulier le inició en la acuarela. En 1827 expone La muerte de Sardanápalo, un cuadro en el que hace gala de una de sus más espléndidas combinaciones del color. Con un trazado lleno de vigor, tras un esbozo al temple hizo una serie de estudios parciales al pastel y, después, al natural. El cuadro fue vendido en 1847 a M. Wilson, que lo instala en su castillo de Brie, lo que provocó un grave deterioro del cuadro, y requirió una difícil restauración. A sus 30 años logra provocar controversia en el publico con el cuadro La muerte de Sardanápalo pintado en 1827 y expuesto en el Salón de Paris, la pintura es un buen ejemplo de lo que era importante para los románticos franceses, el superhombre desbocado en calidad de héroe, la combinación de erotismo y muerte, el decorado oriental, los grandes movimientos en lugar de una composición equilibrada y apacible, y el predominio del color sobre la línea. Delacroix la llamaría, "la Proeza asiática".

OBRAS:

Delacroix pintó este tema cuando apenas contaba con 24 años. La obra fue presentada en el Salón de 1822. Las analogías con la Balsa de la Medusa de Géricault son evidentes. El tema que se ha elegido es típicamente romántico. Delacroix ha pretendido literaturizar el hecho pictórico tomando como emblema La Divina Comedia de Dante. Ha escogido el momento en que Homero y Virgilio navegan por las aguas infernales. Los condenados luchan por subir a la barca, sus cuerpos robustos en fuerte movimiento y agitación nos hacen pensar en los condenados del Juicio Final de Miguel Ángel. Las luces inciertas acentúan el dramatismo a la vez que potencian esos presupuestos tan característicos del Romanticismo como son el dolor, la rabia, la desesperación, lo lóbrego, lo patético.

Jazz (1910)Descripción: Óleo sobre lienzo. 71,1 x 55,9 cm.Localización: Colombus Museum of ArtAutor: Man Ray

El tema de que trata es el de la Guerra de la Independencia de Grecia. Los griegos piden clemencia al turco, pero éste no les escucha. La masacre fue tremenda, había testimonios directos. A Delacroix le contaron lo ocurrido y pintó esta gran obra. Para llevar a cabo este episodio histórico recurre a una composición dinámica que bien podría recordar a Rubens o al más cercano Gericault. Esta composición se resuelve por medio de la utilización de diagonales, recurso típicamente barroco. El turco aparece en un caballo en corvea que forma una diagonal que se pierde en el horizonte dando la sensación de agitación, recordando con ello a Vélasquez.

Admiración de la Orquestación por la Cinematografía (1919)Descripción: Gouache, wash and ink, airbrushed on paper. Localización: MOMA. Nueva YorkAutor: Man Ray

En un restaurante después de exponer sus obras Man Ray celebra su trabajo final, se encuentra con otro artista y esta fue la charla que tuvieron:

DELACROIX: Buenas Noches señor Ray, debo decir que estoy admirado con sus obras, definitivamente un encanto.

RAY: Muchas gracias señor Delacroix, pienso que tienen un toque de abstracto, pero sencillamente expresan alguna parte de mi vida.

DELACROIX: Si lo he podido notar… pero me gustaría saber que opina Ud. respecto a mis obras.

RAY: Oh señor no podrían ser mejores viniendo de usted, la verdad es que tiene un gusto exquisito al momento de escoger los colores y las formas a utilizar; quedo simplemente maravillado puesto que te has inspirado en un gran numero de pintores como Vincent Van Gogh y tus obras mas ilustres se encuentran en el Museo de Louvre para la adquisición de los amantes del arte romántico.

DELACROIX: Ray, en mis obras que expongo, expreso mis pensamientos e ideas acerca del arte, la política y la vida, comparo mis obras anteriores y posteriores, las analizo y disecciono, dando origen a mi galería de obras.

RAY: Delacroix me gustaría que me contaras cual de tus obras te ha fascinado?

DELACROIX: Una de mis obras favorita es Dante y Virgilio en los infiernos, una obra llena de fuerza, de una composición ambiciosa y colores muy trabajados; en ella expreso las luz que de desliza sobre las musculaturas hinchadas, un incendio que consume una ciudad, las capas ondean al viento, todo esto caracterizado por la fantasía, lo macabro y el erotismo que siempre acostumbro entre mezclar en mis obras.

RAY: Te felicito, excelente obra…… quisiera compartirte los rasgos más importantes de mi vida y de mi obra.

DELACROIX: Claro, con gusto escucharé.

RAY: Mi obra elude categorizaciones netas y refleja mi ágil y humorística sensibilidad, entre pinturas y fotografías, también películas, objetos, collages, obra grafica, dibujos, diseños publicitarios y moda. Como pionero de Dadá y Surrealismo mi aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. “La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte”.

DELACROIX: fascinante poder conocer el origen de tus obras…… Me agrado dialogar contigo, eres un gran artista, espero verte en otra oportunidad y compartir momentos tan especiales como este, te deseo éxito en tus próximas obras, estaré atento para un próximo encuentro.

RAY: El placer fue mío, fue un agrado conversar con un gran representante del romanticismo, espero se vuelva a repetir el momento.

BARROCO
Entre el siglo XVI y mediados del XVIII ubicamos el Barroco. Fue una época de cambios políticos, ideológicos, sociales y culturales. En el campo de la música, supuso la transición de una música puramente espiritual (la del Renacimiento) a un estilo formal y académico (el Clasicismo).
Aunque inicialmente era muy similar a la música renacentista, pronto se desmarcó radicalmente de ella. Ya no se compone para cantar a capella, sino que intervienen instrumentos que desarrollan melodías distintas, a veces en forma de solos: de este modo, la individualidad cobra importancia, destacada por la existencia del bajo continuo (habitualmente, el clavicordio), que le sirve de apoyo. Es la época del nacimiento de la ópera y, en general, de una secularización de todo tipo de música (incluida la música sacra).
El principal compositor del Barroco temprano y del Renacimiento tardío es Claudio Monteverdi, quien sirve de enlace entre las dos épocas, ya que sus composiciones unen la espiritualidad del Renacimiento y las nuevas tendencias y formas musicales del Barroco.
Es en este momento cuando se desarrolla la orquesta de cuerda, sobre todo son importantes las composiciones para violín, con grandes genios de este instrumento como Corelli, Torelli, Albinoni y, sobre todo, Vivaldi. El Barroco tardío tiene sus máximos exponentes en J.S. Bach y Haendel, autores de un gran número de obras maestras de su tiempo. Haendel obtuvo fama en vida, con sus ofertorios, pero Bach tuvo que esperar siglos hasta obtener el reconocimiento merecido por sus trabajos, cuando los músicos del Romanticismo redescubrieron su obra. De hecho, Bach se ganó la vida como organista y es, sin duda, el mayor compositor para este instrumento.


Claudio Monteverdi
http://www.youtube.com/watch?v=YF5IL_m_-uU

(Cremona, actual Italia, 1567-Venecia, 1643) Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de los Victoria, Lasso y Palestrina, este músico supo hacer realidad la nueva y revolucionaria concepción del arte musical surgida de las teorías de la Camerata Fiorentina, que, entre otras cosas, supuso el nacimiento de la ópera.
Hijo de un médico de Cremona, se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor: publicó su primera colección de motetes en Venecia cuando sólo contaba quince años. Su maestría en el arte de tañer la viola le valió entrar en 1592 al servicio del duque Vincenzo Gonzaga de Mantua, a la sazón una de las cortes más prósperas de Italia.
Tras seguir a su señor en la campaña contra los turcos en Austria y Hungría, y visitar Flandes, viajes éstos que le permitieron conocer otras escuelas musicales ajenas a la italiana, fue nombrado maestro de capilla de Mantua en 1601, con la función de proveer toda la música necesaria para los actos laicos y religiosos de la corte.
Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. El reto era importante para un compositor educado en la tradición polifónica que hasta aquel momento había destacado en la composición de madrigales a varias voces, pues se trataba de crear una obra según el patrón que Jacopo Peri y Giulio Caccini; ambos músicos de la Camerata Fiorentina, habían establecido en su Euridice, una obra en un nuevo estilo, el llamado stile rappresentativo, caracterizado por el empleo de una sola voz que declama sobre un somero fondo instrumental. Una pieza dramático-musical, en fin, en que a cada personaje le correspondía una sola voz.
Esto, que hoy puede parecer pueril, en la época suponía un cambio de mentalidad radical: el abandono de la polifonía, del entramado armónico de distintas voces, por el cultivo de una única línea melódica, la monodia acompañada. El resultado fue La favola d’Orfeo, composición con la que Monteverdi no sólo superó el modelo de Peri y Caccini, sino que sentó las bases de la ópera tal como hoy la conocemos.

Arcangelo Corelli
http://www.youtube.com/watch?v=BR6Swn4TfDs

(Fusignano, Italia, 1653-Roma, 1713) Compositor italiano. Siendo muy joven se trasladó a Bolonia, ciudad en la cual estudió violín con destacados maestros, entre quienes despertó un gran interés debido a sus aptitudes. En 1675 pasó a Roma, e inmediatamente ganó cierta notoriedad, lo que le valió ser recibido por la reina Cristina de Suecia y entrar al servicio del cardenal Pietro Ottoboni.
Se dedicó a la dirección musical y a la composición, creando una obra escasa pero de gran valor e influencia en la historia de la música. Su obra es, en cierto modo, insólita para la época, pues dedicó sus esfuerzos exclusivamente a la música instrumental, con preferencia al violín, obviando la música dramática. Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin dedicarse a la música cantada.
En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689); la segunda (1685) y la cuarta (1694) fueron compuestas para cámara. Publicó así mismo una colección de sonatas para violín y bajo (1700), y finalmente sus célebres concerti grossi, publicados póstumamente en 1714. Su obra alcanza la madurez del estilo barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba a ser a lo largo del siglo XVIII.

Giuseppe Torelli
http://www.youtube.com/watch?v=g1CH2HJo0QY

(Verona, actual Italia, 1658-Bolonia, id., 1709) Compositor, violinista y pedagogo italiano. El concierto con solista y el concerto grosso tienen uno de sus principales artífices en Giuseppe Torelli, un compositor que, si bien no puede considerarse el inventor de estas formas musicales, sí contribuyó decisivamente a la conformación de sus principales características, llevadas más tarde a su plenitud por Vivaldi y Bach. Educado en su Verona natal y en Bolonia, ocupó el cargo de violinista de la iglesia de San Petronio de esta última ciudad desde 1686 hasta 1695, año en que marchó a Viena. En 1698 entró al servicio del margrave de Brandemburgo, en Ansbach. Tras una nueva y corta estancia en la capital austriaca, en 1701 regresó a Bolonia y ocupó de nuevo su puesto de violinista de la capilla musical de San Petronio. Del conjunto de su producción, eminentemente instrumental, cabe destacar las colecciones 12 Concerti da camera Op. 2 (1686), 12 Concerti musicali Op. 6 (1698) y 12 Concerti grossi con una pastorale per il Ss. Natale Op. 8 (1709).

Tomaso Albinoni
http://www.youtube.com/watch?v=mz4dpbk8YBs

Era hijo de Antonio Albinoni (1634–1709), un rico comerciante de papel en Venecia. Estudió violin y canto. Se sabe relativamente poco de su vida, si se tiene en cuenta su estatura contemporánea como un compositor y que vivió durante un período relativamente bien documentado. En 1694 dedicó su Opus 1 al compatriota veneciano cardenal Pietro Ottoboni (sobrino-nieto del papa Alejandro VIII). Ottoboni era un mecenas de otros compositores en Roma, como Arcangelo Corelli. Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2. En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.
En 1705 se casó. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue un testigo de boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental: antes de 1705, escribió sobre todo sonatas en trío y conciertos para violín, pero entre esa fecha y 1719 se dedicó más a sonatas para solo y conciertos para oboe.
A diferencia de la mayor parte de los compositores de su época, parece que nunca buscó un puesto en una iglesia o una corte de la nobleza, pero lo cierto es que era un hombre independiente con recursos propios. En 1722, Maximiliano II Manuel de Baviera, a quien Albinoni había dedicado un conjunto de doce conciertos, le invitó a dirigir dos de sus óperas en Münich.
Alrededor de 1740, una colección de sonatas para violín se publicó en Francia como una obra póstuma, y los eruditos supusieron durante mucho tiempo que ello significaba que Albinoni había muerto para entonces. Sin embargo, parece que siguió viviendo en Venecia en la oscuridad. Un archivo de la parroquia de San Bernabé indica que Tomaso Albinoni falleció en 1751 «a la edad de 84 años» (se supone que es un error), de diabetes.

Antonio Vivaldi

http://www.youtube.com/watch?v=yY2Ugpst9VY

(Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano. Igor Stravinski comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.
Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana –a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello– y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.
Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.
También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución destinada a formar muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L’estro armonico Op. 3, publicada en Amsterdam en 1711.
Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.
Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico en principio le impedía abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.

Johann Sebastian Bach

http://www.youtube.com/watch?v=hZ9qWpa2rIg

(Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 -Leipzig, 28 de Julio de 1750) fue un organista y compositor aleman de musica del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violin y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la musica barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental,epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal,no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto,y su máximo exponente,donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la musica clasica y de la musica universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasion segun San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las partitas y sonatas para violín solo y las suites orquestales.

GEORG FRIEDRICH HAENDEL

http://www.youtube.com/watch?v=YvPV29a2SYk
(o conocido como Händel) nació el 23 de febrero de 1685 en la ciudad de sajona de Halle, en el seno de una familia acomodada aunque carente de una tradición musical al estilo de la de su contemporáneo Johann Sebastìan Bach o de Domenico Scarkatti, también nacido en 1685 y con quien le unió una fructífera amistad. Su padre, Georg Haendel (1622 – 1697), barbero–cirujano que trabajaba por su cuenta, se había casado en segundas nupcias con Dorothea Taust (1651 – 1730), veintiocho años más joven que él, la cual complementaría la familia con tres hijos más, el compositor y dos niñas. George Haendel era un hombre prudente como buen luterano y buen burgués, respetuoso con las tradiciones y conocedor del libro sagrado. En el seno de esta familia vivió sus primeros años Haendel rodeado por el afecto de su padre ya anciano, algún hermanastro, sus dos hermanas y su madre por la que sintió toda su vida un gran respeto.
En esta ciudad entabló una fructífera amistad con Johann Matasen (1691 - 1764), teórico e historiador de música que se convirtió en profesor, introductor en los círculos culturales y a la vez alumno de Haendel. Esta amistad juvenil hecha de confidencias y de necesidades llevó a ambos amigos a Lübeck, en la que el anciano Dietrich Buxtehude (h. 1673 - 1707) iba a dejar su supuesto de organizar en la Marienkirche a quien lo mereciera y aceptara a la vez casarse con su ya no joven hija. Con estas condiciones ambos amigos rechazaron el cargo.
A la vuelta, Matheson proporcionó alumnos a Haendel para que pudiera mantenerse y lo hizo ingresar en la orquesta de la Ópera hamburguesa, circunstancia que le permitió, de modo excepcional, conocer a fondo el nuevo género, que se nutría principalmente de obras italianas y francesas. Este conocimiento tan de primera mano de la ópera tocó hasta tal punto la fibra musical del joven Haendel, que desde entonces la mayor actividad de su vida se desplegó en esta dirección.
Poco después el público, que no supo comprender la transparencia orquestal de la que Haendel empezaba a hacer gala, rechazó su segunda ópera, Nero (1705), y éste, como buen perdedor, se retiró a la espera de ocasiones mejores, componiendo entre tanto algunas Sonatas, algunos de los conciertos para oboe y parte del Klavierbuch aus der Jungenzeit, libro para iniciarse en los instrumentos de teclado.
La quiebra de Keiser como empresario al frente de la Ópera hamburguesa fue la causa decisiva de que aceptara la invitación de Gastón de Médicis, hermano del gran duque de Toscana, para viajar con él a Italia. Las especulaciones sobre qué habría sido de la ópera alemana barroca si el éxito hubiese sonreído a Haendel son vanas; el compositor llevaba en su seno un potencial que fue abonado en Italia y desarrollado en las duras batallas londinenses. La realidad es que con la partida de Haendel en 1706 se certifica la defunción del género en del genero en Alemania hasta la aparición de Gluck, Mozart y Hadn, en la segunda mitad del siglo. Haendel marchó a Italia, ilusionado por las noticias que tenía de la vida musical florentina, pero sus ilusiones se vieron pronto defraudadas porque, aunque la corte mantenía a Alessandro Scarlatti (1660 - 1725 ) como compositor de óperas y oratorios, el ambiente general de indiferencia hacia la música era decepcionante. A principios de 1707 decidió trasladarse a Roma, donde tocó en San Juan de Letrán e hizo las primeras composiciones sobre los salmos Laudate pueri Domino, Nisi Dominus y dixit Dominus, que muestran influencias de su antiguo profesor en Halle, por una parte, y de las novedades que iba conociendo en sus viajes, por otra, ya que en los primeros meses de estancia en Italia se dedicó al estudio de los compositores italianos de moda, Benedettó Marcello (1686 - 1736), Giacomo Carissimi (1605 - 1674) o incluso los dos Gabrieli (Andrea, h. 1515-1586, y su sobrino Giovanni, 1557-1612).
Empieza a declinar en el año de 1751, después de una operación de cataratas en el año de 1752, quedó casi totalmente ciego pero, hasta el final de su vida, continuó dirigiendo sus oratorios desde su puesto ene l teclado. Era ayudado por su discípulo y amigo J.C. Smith el joven, al que dictaba sus intenciones hasta 1758, The Triumph of Time and Truth (1757), que se considera frecuentemente como su última obra importante, es algo más que una traducción inglesa del oratorio italiano de 1737, II Trionfo del Tempo e della Verità (que es también una revisión de una composición de 1707. Murió tras varios días de enfermedad el 14 de abril de 1759, y fue enterrado el 20 en Westminster Abbey por petición propia. Un monumento de Roubillac, que ya le había esculpido en 1739 la estatua de Vauxhall Garden, fue erigido en su memoria.

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El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Bretón, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. En pintura y escultura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilón Redon. En el siglo XX también son admiradas, y a veces expuestas como surrealistas, ciertas obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul

En esta pintura se puede apreciar la tecnica del cadaver exquisito, el cual consiste en ensamblar un conjunto de imagenes. Klee y de los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia, así como del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre sus miembros. Se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos pintores fueron miembros del grupo surrealista pero, demasiado individualistas para someterse a los dictados de André Bretón, se desligaron del mismo en 1925. Más tarde, se incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero después sería relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de ello, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Su personal obra constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.
Cadáver exquisito
Tanto en las artes plásticas como en la poesía, los surrealistas experimentaron técnicas en las que el juego y el azar favorecían el surgimiento de la imagen mediante la libre asociación de elementos no premeditados. El cadáver exquisito, creación colectiva en la que un individuo participa sin conocer la frase o el dibujo que ha hecho otro, constituye, especialmente en los años 1927-1928, una de las innovaciones del grupo. Esta técnica, junto con otras creadas por las vanguardias del siglo XX, se ha utilizado con frecuencia entre los recursos de las nuevas tendencias de la enseñanza de la lengua y la literatura.

La pintura surrealista es muy variada en contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una manera más o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la pintura de De Chirico. Las esculturas de Arp son grandes, lisas y de forma abstracta. Por otra parte, Miró, miembro formal del grupo durante una corta etapa, representó formas fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos infantiles. El pintor ruso-estadounidense Pavel Tchelichew pintó cuadros y también creó numerosas escenas para ballets. En la década de 1940, coincidiendo con el exilio en México de artistas españoles influidos por el surrealismo, así como la visita de Bretón, que recorrió el país acompañado de Diego Rivera y del político soviético Trotski, el movimiento se extendió de forma relativa y limitada entre círculos intelectuales mexicanos.

El enigma de Mitler, obra de Dalí, uno de los grandes autores surrealistas.
Dalí fue uno de los más importantes autores del surrealismo, movimiento que trató de representar el mundo del subconsciente y los sueños.

Rob Gonsalves
Con influencias de Dalí, Magritte o Escher, el artista canadiense crea imágenes en que varios mundos se funden en una misma obra, de manera que los ojos de un puente se trasforman en barcos o el reflejo de los árboles en un lago da forma a mujeres que surgen de sus aguas.

Eclipse Fusión

Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y la vida burguesa tenían una raíz política y un sector del surrealismo empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y se afilo al partido Comunista Francés. Surgieron así las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre el arte y la política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro en 1938 se celebra en Paris la exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos países. Poco después, la segunda guerra mundial paraliza la actividad en Europa y dispersa a los artistas surrealistas, muchos de los cuales (entre ellos Bretón) se exilian en Nueva York. Allí surge una asociación de pintores alemanes y franceses en torno a la revista VVV. Finalizada la contienda mundial, en 1946, el surrealismo como movimiento unitario ya prácticamente había desaparecido.


"Crecer en Long Beach, California, he descubierto a una edad temprana los efectos la tecnología está teniendo sobre el medio ambiente. Hace muchos años, cientos de pozos petroleros en alta mar fueron construidos y ubicados en las islas a unas pocas millas fuera de la costa de Long Beach. Cada uno de ellos, bellamente decorado para aparecer como condominios, es agradable al ojo. Pero el hecho es que el daño se está haciendo. El agua que rodea las refinerías han perdido su esplendor. Las aguas cristalinas de color azul que había una vez se estrelló en la costa ahora se ha ido. A pesar de que trató de ocultar, la verdad es, "No se puede engañar a la Madre Naturaleza." Jim Warren autor de esta obra llamada originalmente "Dont mess with the mother nature".


Es una tendencia artística surgida entre los años 1920 y 1930. Su aparición oficial se concibe en 1924, con la redacción de "El Manifiesto Surrealista" por el poeta y crítico francés André Bretón. Al principio este fue un movimiento literario y filosófico pero los pintores no tardaron en incorporarse a él.El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. El superrealismo, como también se le llama, es el deseo de expresar el mundo del inconsciente como ese mundo en penumbras y del que pocas conocemos.Como todo ser humano, los artistas se sintieron frustrados con las pésimas condiciones en que se encontraba Europa a fines de la Segunda Guerra Mundial, por lo que su inspiración no la buscaban en la realidad, sino en sus sueños y fantasías.Es importante señalar que la aparición del psicoanálisis, creado por el psicólogo alemán Sigmund Freud, influenció enormemente el desarrollo de esta técnica artística, ya que pone un especial énfasis en el inconsciente del hombre. El artista ya no se conformaba con ir a la estructura de las cosas o del movimiento; querían ver la realidad que se esconde debajo de la conciencia.
Esta tendencia busca inspiración al interior de la misma mente del artista y se olvida del pensamiento racional, porque la realidad no sirve para poner de manifiesto este nuevo sentido del arte. El tema del pintor no se halla delante de él cuando lo pinta, el material proviene de experiencias pasadas y de objetos vistos con anterioridad, cambiados y reagrupados después de un largo período de sumersión en el inconsciente. Su verdadera realidad es aquella que no se ve, es decir, la que esta inmersa en los sueños y el inconsciente. Es por esta razón que el surrealismo es uno de los géneros del arte más difíciles de entender, porque la subjetividad es lo que hace posible la creación del artista.
A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp, así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyeron como miembros del movimiento. También se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró, quienes se desligaron al año siguiente por su individualismo y desacuerdos con los dictados de André Bretón. Según Miró su pintura estaba concebida en un estado de alucinación. Más tarde, se incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero más tarde fue relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, ya que estaba más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de que durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo, su obra fue tan personal que constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.La pintura surrealista es muy variada de contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una manera más o menos fotográfica, transformando estados delirantes, alucinaciones y obsesiones en principios artísticos, inspirándose en la primera etapa de la pintura de De Chirico. Las esculturas de Arp son grandes, lisas y de forma abstracta. De otra parte, Miró, miembro formal del grupo durante una corta etapa, representó formas fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos infantiles. El pintor ruso-estadounidense Pavel Tchelichew pintó cuadros y también creó numerosas escenas para ballets. En la década de 1940, coincidiendo con el exilio en México de artistas españoles influidos por el surrealismo, así como la visita de Bretón, el movimiento se extendió de forma relativa y limitada entre círculos intelectuales mexicanos.

Romanticismo y Vanguardismo

Mucha gente asume el concepto de la modernidad como algo muy nuevo, sin embargo este tiene un trasfondo más amplio ya que es un movimiento el cual cambio los paradigmas del mundo radicalmente.
Es un movimiento que cambió tanto a la literatura como al arte y por el cual muchos aspectos del mundo cambiaron a favor o en contra de la humanidad, dependiendo del punto de vista en que se mire.

Es importante resaltar la labor que tuvieron el Romanticismo y el Vanguardismo con respecto de la Modernidad ya que muchas de las características de estos dos movimientos fueron de apoyo a que la Modernidad saliera a flote.
Del Romanticismo puedo destacar que fue un movimiento cultural y político y contrario a lo que muchos piensan el origen de este movimiento se da en Alemania y el Reino Unido mas no en Francia y una de las características importantes de este el cual se pagó a la Modernidad es que rompió con el Tradicionalismo y con un varios estereotipos que habían en aquella época.Puedo rescatar del vanguardismo que se representa a través de varios movimientos de vanguardia y que busca la manera de distorsionar o quebrar los sistemas aceptados de expresión o representación artística.

Por esto puedo decir con certeza que gracias al Romanticismo y al Vaguardismo es que hoy estamos en la época y movimiento Moderno.

En otras palabras, la concepción Moderna hace referencia al quebrantamiento no de reglas establecidas sino de estereotipos y tradiciones que no dejaban avanzar hacia el progreso de la humanidad ya que las personas antes se aferraban mucho a que las cosas tenian que suceder de determinada manera.