BARROCO
Entre el siglo XVI y mediados del XVIII ubicamos el Barroco. Fue una época de cambios políticos, ideológicos, sociales y culturales. En el campo de la música, supuso la transición de una música puramente espiritual (la del Renacimiento) a un estilo formal y académico (el Clasicismo).
Aunque inicialmente era muy similar a la música renacentista, pronto se desmarcó radicalmente de ella. Ya no se compone para cantar a capella, sino que intervienen instrumentos que desarrollan melodías distintas, a veces en forma de solos: de este modo, la individualidad cobra importancia, destacada por la existencia del bajo continuo (habitualmente, el clavicordio), que le sirve de apoyo. Es la época del nacimiento de la ópera y, en general, de una secularización de todo tipo de música (incluida la música sacra).
El principal compositor del Barroco temprano y del Renacimiento tardío es Claudio Monteverdi, quien sirve de enlace entre las dos épocas, ya que sus composiciones unen la espiritualidad del Renacimiento y las nuevas tendencias y formas musicales del Barroco.
Es en este momento cuando se desarrolla la orquesta de cuerda, sobre todo son importantes las composiciones para violín, con grandes genios de este instrumento como Corelli, Torelli, Albinoni y, sobre todo, Vivaldi. El Barroco tardío tiene sus máximos exponentes en J.S. Bach y Haendel, autores de un gran número de obras maestras de su tiempo. Haendel obtuvo fama en vida, con sus ofertorios, pero Bach tuvo que esperar siglos hasta obtener el reconocimiento merecido por sus trabajos, cuando los músicos del Romanticismo redescubrieron su obra. De hecho, Bach se ganó la vida como organista y es, sin duda, el mayor compositor para este instrumento.


Claudio Monteverdi
http://www.youtube.com/watch?v=YF5IL_m_-uU

(Cremona, actual Italia, 1567-Venecia, 1643) Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de los Victoria, Lasso y Palestrina, este músico supo hacer realidad la nueva y revolucionaria concepción del arte musical surgida de las teorías de la Camerata Fiorentina, que, entre otras cosas, supuso el nacimiento de la ópera.
Hijo de un médico de Cremona, se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor: publicó su primera colección de motetes en Venecia cuando sólo contaba quince años. Su maestría en el arte de tañer la viola le valió entrar en 1592 al servicio del duque Vincenzo Gonzaga de Mantua, a la sazón una de las cortes más prósperas de Italia.
Tras seguir a su señor en la campaña contra los turcos en Austria y Hungría, y visitar Flandes, viajes éstos que le permitieron conocer otras escuelas musicales ajenas a la italiana, fue nombrado maestro de capilla de Mantua en 1601, con la función de proveer toda la música necesaria para los actos laicos y religiosos de la corte.
Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. El reto era importante para un compositor educado en la tradición polifónica que hasta aquel momento había destacado en la composición de madrigales a varias voces, pues se trataba de crear una obra según el patrón que Jacopo Peri y Giulio Caccini; ambos músicos de la Camerata Fiorentina, habían establecido en su Euridice, una obra en un nuevo estilo, el llamado stile rappresentativo, caracterizado por el empleo de una sola voz que declama sobre un somero fondo instrumental. Una pieza dramático-musical, en fin, en que a cada personaje le correspondía una sola voz.
Esto, que hoy puede parecer pueril, en la época suponía un cambio de mentalidad radical: el abandono de la polifonía, del entramado armónico de distintas voces, por el cultivo de una única línea melódica, la monodia acompañada. El resultado fue La favola d’Orfeo, composición con la que Monteverdi no sólo superó el modelo de Peri y Caccini, sino que sentó las bases de la ópera tal como hoy la conocemos.

Arcangelo Corelli
http://www.youtube.com/watch?v=BR6Swn4TfDs

(Fusignano, Italia, 1653-Roma, 1713) Compositor italiano. Siendo muy joven se trasladó a Bolonia, ciudad en la cual estudió violín con destacados maestros, entre quienes despertó un gran interés debido a sus aptitudes. En 1675 pasó a Roma, e inmediatamente ganó cierta notoriedad, lo que le valió ser recibido por la reina Cristina de Suecia y entrar al servicio del cardenal Pietro Ottoboni.
Se dedicó a la dirección musical y a la composición, creando una obra escasa pero de gran valor e influencia en la historia de la música. Su obra es, en cierto modo, insólita para la época, pues dedicó sus esfuerzos exclusivamente a la música instrumental, con preferencia al violín, obviando la música dramática. Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin dedicarse a la música cantada.
En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689); la segunda (1685) y la cuarta (1694) fueron compuestas para cámara. Publicó así mismo una colección de sonatas para violín y bajo (1700), y finalmente sus célebres concerti grossi, publicados póstumamente en 1714. Su obra alcanza la madurez del estilo barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba a ser a lo largo del siglo XVIII.

Giuseppe Torelli
http://www.youtube.com/watch?v=g1CH2HJo0QY

(Verona, actual Italia, 1658-Bolonia, id., 1709) Compositor, violinista y pedagogo italiano. El concierto con solista y el concerto grosso tienen uno de sus principales artífices en Giuseppe Torelli, un compositor que, si bien no puede considerarse el inventor de estas formas musicales, sí contribuyó decisivamente a la conformación de sus principales características, llevadas más tarde a su plenitud por Vivaldi y Bach. Educado en su Verona natal y en Bolonia, ocupó el cargo de violinista de la iglesia de San Petronio de esta última ciudad desde 1686 hasta 1695, año en que marchó a Viena. En 1698 entró al servicio del margrave de Brandemburgo, en Ansbach. Tras una nueva y corta estancia en la capital austriaca, en 1701 regresó a Bolonia y ocupó de nuevo su puesto de violinista de la capilla musical de San Petronio. Del conjunto de su producción, eminentemente instrumental, cabe destacar las colecciones 12 Concerti da camera Op. 2 (1686), 12 Concerti musicali Op. 6 (1698) y 12 Concerti grossi con una pastorale per il Ss. Natale Op. 8 (1709).

Tomaso Albinoni
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Era hijo de Antonio Albinoni (1634–1709), un rico comerciante de papel en Venecia. Estudió violin y canto. Se sabe relativamente poco de su vida, si se tiene en cuenta su estatura contemporánea como un compositor y que vivió durante un período relativamente bien documentado. En 1694 dedicó su Opus 1 al compatriota veneciano cardenal Pietro Ottoboni (sobrino-nieto del papa Alejandro VIII). Ottoboni era un mecenas de otros compositores en Roma, como Arcangelo Corelli. Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2. En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.
En 1705 se casó. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue un testigo de boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental: antes de 1705, escribió sobre todo sonatas en trío y conciertos para violín, pero entre esa fecha y 1719 se dedicó más a sonatas para solo y conciertos para oboe.
A diferencia de la mayor parte de los compositores de su época, parece que nunca buscó un puesto en una iglesia o una corte de la nobleza, pero lo cierto es que era un hombre independiente con recursos propios. En 1722, Maximiliano II Manuel de Baviera, a quien Albinoni había dedicado un conjunto de doce conciertos, le invitó a dirigir dos de sus óperas en Münich.
Alrededor de 1740, una colección de sonatas para violín se publicó en Francia como una obra póstuma, y los eruditos supusieron durante mucho tiempo que ello significaba que Albinoni había muerto para entonces. Sin embargo, parece que siguió viviendo en Venecia en la oscuridad. Un archivo de la parroquia de San Bernabé indica que Tomaso Albinoni falleció en 1751 «a la edad de 84 años» (se supone que es un error), de diabetes.

Antonio Vivaldi

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(Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano. Igor Stravinski comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.
Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana –a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello– y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.
Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.
También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución destinada a formar muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L’estro armonico Op. 3, publicada en Amsterdam en 1711.
Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.
Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico en principio le impedía abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.

Johann Sebastian Bach

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(Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 -Leipzig, 28 de Julio de 1750) fue un organista y compositor aleman de musica del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violin y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la musica barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental,epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal,no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto,y su máximo exponente,donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la musica clasica y de la musica universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasion segun San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las partitas y sonatas para violín solo y las suites orquestales.

GEORG FRIEDRICH HAENDEL

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(o conocido como Händel) nació el 23 de febrero de 1685 en la ciudad de sajona de Halle, en el seno de una familia acomodada aunque carente de una tradición musical al estilo de la de su contemporáneo Johann Sebastìan Bach o de Domenico Scarkatti, también nacido en 1685 y con quien le unió una fructífera amistad. Su padre, Georg Haendel (1622 – 1697), barbero–cirujano que trabajaba por su cuenta, se había casado en segundas nupcias con Dorothea Taust (1651 – 1730), veintiocho años más joven que él, la cual complementaría la familia con tres hijos más, el compositor y dos niñas. George Haendel era un hombre prudente como buen luterano y buen burgués, respetuoso con las tradiciones y conocedor del libro sagrado. En el seno de esta familia vivió sus primeros años Haendel rodeado por el afecto de su padre ya anciano, algún hermanastro, sus dos hermanas y su madre por la que sintió toda su vida un gran respeto.
En esta ciudad entabló una fructífera amistad con Johann Matasen (1691 - 1764), teórico e historiador de música que se convirtió en profesor, introductor en los círculos culturales y a la vez alumno de Haendel. Esta amistad juvenil hecha de confidencias y de necesidades llevó a ambos amigos a Lübeck, en la que el anciano Dietrich Buxtehude (h. 1673 - 1707) iba a dejar su supuesto de organizar en la Marienkirche a quien lo mereciera y aceptara a la vez casarse con su ya no joven hija. Con estas condiciones ambos amigos rechazaron el cargo.
A la vuelta, Matheson proporcionó alumnos a Haendel para que pudiera mantenerse y lo hizo ingresar en la orquesta de la Ópera hamburguesa, circunstancia que le permitió, de modo excepcional, conocer a fondo el nuevo género, que se nutría principalmente de obras italianas y francesas. Este conocimiento tan de primera mano de la ópera tocó hasta tal punto la fibra musical del joven Haendel, que desde entonces la mayor actividad de su vida se desplegó en esta dirección.
Poco después el público, que no supo comprender la transparencia orquestal de la que Haendel empezaba a hacer gala, rechazó su segunda ópera, Nero (1705), y éste, como buen perdedor, se retiró a la espera de ocasiones mejores, componiendo entre tanto algunas Sonatas, algunos de los conciertos para oboe y parte del Klavierbuch aus der Jungenzeit, libro para iniciarse en los instrumentos de teclado.
La quiebra de Keiser como empresario al frente de la Ópera hamburguesa fue la causa decisiva de que aceptara la invitación de Gastón de Médicis, hermano del gran duque de Toscana, para viajar con él a Italia. Las especulaciones sobre qué habría sido de la ópera alemana barroca si el éxito hubiese sonreído a Haendel son vanas; el compositor llevaba en su seno un potencial que fue abonado en Italia y desarrollado en las duras batallas londinenses. La realidad es que con la partida de Haendel en 1706 se certifica la defunción del género en del genero en Alemania hasta la aparición de Gluck, Mozart y Hadn, en la segunda mitad del siglo. Haendel marchó a Italia, ilusionado por las noticias que tenía de la vida musical florentina, pero sus ilusiones se vieron pronto defraudadas porque, aunque la corte mantenía a Alessandro Scarlatti (1660 - 1725 ) como compositor de óperas y oratorios, el ambiente general de indiferencia hacia la música era decepcionante. A principios de 1707 decidió trasladarse a Roma, donde tocó en San Juan de Letrán e hizo las primeras composiciones sobre los salmos Laudate pueri Domino, Nisi Dominus y dixit Dominus, que muestran influencias de su antiguo profesor en Halle, por una parte, y de las novedades que iba conociendo en sus viajes, por otra, ya que en los primeros meses de estancia en Italia se dedicó al estudio de los compositores italianos de moda, Benedettó Marcello (1686 - 1736), Giacomo Carissimi (1605 - 1674) o incluso los dos Gabrieli (Andrea, h. 1515-1586, y su sobrino Giovanni, 1557-1612).
Empieza a declinar en el año de 1751, después de una operación de cataratas en el año de 1752, quedó casi totalmente ciego pero, hasta el final de su vida, continuó dirigiendo sus oratorios desde su puesto ene l teclado. Era ayudado por su discípulo y amigo J.C. Smith el joven, al que dictaba sus intenciones hasta 1758, The Triumph of Time and Truth (1757), que se considera frecuentemente como su última obra importante, es algo más que una traducción inglesa del oratorio italiano de 1737, II Trionfo del Tempo e della Verità (que es también una revisión de una composición de 1707. Murió tras varios días de enfermedad el 14 de abril de 1759, y fue enterrado el 20 en Westminster Abbey por petición propia. Un monumento de Roubillac, que ya le había esculpido en 1739 la estatua de Vauxhall Garden, fue erigido en su memoria.